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viernes, 28 de febrero de 2014

"Orange is the new black" - Temporada 1

En mi opinión, uno de los descubrimientos de la temporada, la serie Orange is the new black se adentra, jugando con el género de drama y comedia, en la vida dentro de una cárcel para mujeres, en EEUU. La protagonista, una pija, bien educada y que está a punto de casarse con el novio de toda la vida, se ve involucrada en el tráfico de drogas, por mediación de una amiga/amante, la cual la utiliza de camello para es transporte de mercancía. En un momento dado, la pillan y recibe una condena que hace que se traslade a la penitenciaría para cumplirla. 
Es a partir de aquí donde radican los parabienes de la serie. En primer lugar el desconcierto total de la protagonista, magníficamente interpretada por Taylor Schilling, ante lo que se le presenta en su nuevo hogar. Carencia de todo, compartir habitación con desconocidas, duchas comunes, grupos de mujeres divididos en etnias, lesbianismo, el poder de las veteranas. Todo ello la desconcertará, y sin embargo poco a poco irá haciendo amistades y se hará un sitio en la cárcel. Momento álgido de la serie, será cuando coincida con su excompañera, planteándole graves problemas de conciencia, al respecto de su culpabilidad y del amor que todavía perdura, junto con el compromiso con su novio, con el que se comunica por teléfono y en cortas entrevistas personales.
A lo largo de los trece capítulos, los productores, no sólo nos cuentan lo sucedido en la cárcel, sino que además por medio de varios flashbacks, nos narran el por qué de la estancia en prisión de muchas de las coprotagonistas de la serie, con lo que poco a poco vamos conociéndolas mejor, paralelamente a la misma protagonista. También interesante los perfiles y personalidades de los guardias de la prisión y del alcaide y encargados de la misma, quienes jugando con su poder, nos descubrirán sus debilidades y puntos fuertes, tan importantes en la serie, por su ascendiente y autoridad ante las reclusas. 
Nos encontramos ante un collage de personalidades, ideologías, talantes, tendencias sexuales y creencias, con las que juegan las tramas cruzadas en la serie, para mostrarnos la diversidad de los personajes, que conviviendo en la prisión, transcurren día a día en el cumplimiento de sus condenas. Con momentos francamente divertidos y casi esperpénticos y otros más dramáticos y duros, esta serie se ha hecho un hueco al presentarse diferente, especial y rompedora, en la fisonomía de las series actuales. El conjunto de actrices realiza un estupendo trabajo, presentándonos los más variopintos caracteres, ante la sorpresa y la expectación de la protagonista, que sufrirá conforme pasan los capítulos una transformación en su ser, asimilando la situación y la de su entorno, hasta niveles insospechados para ella misma. Muy recomendable por su visión de la realidad carcelaria de las mujeres. Ah, y una llamada de atención a la parrilla de entrada de la serie. Muy buena.
 

jueves, 27 de febrero de 2014

"El submarino - Das Boot"

En 1981 un director alemán, desconocido fuera de su país, dirigió una película titulada "Das Boot", traducido al español, "El submarino", donde narraba una de las misiones de un sumergible U-96 alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Esta película lanzó al estrellato a su director, Wolfgang Petersen, haciendo de él, uno de los directores más taquilleros de Hollywood en las decadas siguientes. Esta película consiguió seis nominaciones a los Oscar de 1983, aún siendo una producción cien por cien alemana.
Con una duración de 150 minutos, la historia se sitúa, en prácticamente toda su totalidad, en el interior minúsculo y agobiante del submarino alemán. Desde el día anterior a embarcar en su misión, hasta el final de la película, el director nos enseña, no solo la vida del tripulante de estos sumergibles, la caza de los convoyes en el Atlántico norte y su afán por pasar desapercibido ante los destructores aliados, que en más de una ocasión pretenden hundir al submarino. Esta película va mucho más allá, logrando transmitir al espectador la soledad, los sentimientos, el peligro y el horror de la vida dentro de un minúsculo sumergible, que continuamente depende no solo de la pericia de su capitán y tripulación, sino en un porcentaje altísimo de la suerte que les acompaña.
Sorprende la capacidad del director y del montador para moverse con la cámara en el espacio tan reducido del interior del submarino, haciendo sentir al espectador la claustrofobia de habitáculos tan pequeños y poco prácticos. Además la historia nos muestra los momentos de espera y búsqueda, en los que la nave surca los mares intentando localizar las piezas a hundir. Con una ambientación fidedigna, tanto ambientalmente como históricamente, la película muestra la capacidad de estos sumergibles letales y también sus carencias, frente a las nuevas tecnologías instaladas en los barcos escolta británicos, que gracias a la innovación del radar sonda, hacen cada vez más difícil la capacidad de sorpresa, propia de esos submarinos corsarios caza convoyes.
Los actores logran personificar la ideología del lobo de mar, que siempre está por encima del patriotismo triunfalista de la Alemania Nazi, hasta tal punto que en ningún momento estos marinos de carrera, saludan con el brazo en alto y no esconden su descontento con la situación real del mandato de Hitler. Simplemente ellos cumplen sus misiones, tal como se les ordena, de la manera más disciplinar posible, dentro de su disciplina desordenada propia del submarino.
Me sorprendió, la escena en la que después de hundir un mercante, el sumergible sube a superficie, y la tripulación siente, que sus ocupantes no hubieran abandonado el barco antes de que ellos lanzaran el torpedo que iba a hundirlo definitivamente. Dudo mucho, que en la realidad, los oficiales de estos cazadores de mercantes y convoyes, tuvieran alguna duda sobre las consecuencias mortales de sus incursiones en el Atlántico. Pero, por todo lo demás, el director nos presenta la epopeya, digna de mención, de estas tripulaciones casi suicidas, que durante todas sus misiones sufrían las incomodidades, miedos y carestías propias de estos submarinos, y que sirvieron de letal arma a los intereses de la Alemania nazi. Gran película, dura, claustrofóbica y realista, que pondera la humanidad dentro de la cruel guerra, frente a la sangría y capacidad de destrucción de los submarinos alemanes.







miércoles, 26 de febrero de 2014

"Los caminos del Señor"

En agosto de 2013 comenzó su andadura en el mundo editorial de los cómics la novel Yermo Ediciones. Especializada en el mercado europeo, su intención es recuperar el espíritu más clásico y aventurero del género, apostando por las historias de piratas, western, aventuras basadas en periodos históricos, mitología futurista o cualquier otra oportunidad de trasladar al lector a confín de los relatos más aventureros y emocionantes.

martes, 25 de febrero de 2014

"Los verdaderos Monuments Men" - National Geographic

En 2012 se publicó un libro escrito por Robert M. Edsel, en el que se contaba las actividades y misiones de un grupo de especialistas en arte que acompañaron al los aliados tras el desembarco de Normandía, con la única misión de recuperar, mantener y proteger las obras de arte que estaban siendo destruidas y robadas por el ejército nazi.
El actor y director George Clooney, compró los derechos de dicho libro y acaba de estrenar en el festival de Berlín una película basada en los hechos de este grupo de especialistas de varios países aliados, acercando sus misiones y labores de búsqueda y recuperación al gran público que acude a los cines de todo el mundo.
Aprovechando el estreno de la película, el Canal National Geographic, ha realizado un documental basándose en los testimonios recabados por el escritor del libro, de parte del equipo de la película y de algunos de los supervivientes de aquellos hombres y mujeres que dieron su vida para lograr arrancar de la destrucción y la desaparición de grandes obras maestras de la pintura y escultura de Europa.
Aproximadamente 300 personas acompañaron a los ejércitos aliados por toda Europa para lograr llevar a término su misión. Por un lado, desde un principio, los alemanes, al invadir Francia y llegar a París con relativa facilidad, requisaron las obras de arte que pudieron localizar en colecciones privadas y pequeños museos, ya que el gobierno de Francia, ante la invasión, puso a buen recaudo las obras del Louvre, trasladándolas a la zona de Vichy y protegiéndolas de los nazis. Sin embargo grandes colecciones, propiedad de ricas familias judías, fueron requisadas por los alemanes bajo la dirección de Goering. Mientras tanto, en Bélgica, dos obras de gran importancia, la Madonna de Miguel Angel de Brujas y el Políptico de San Bavón de Gante, desaparecían de suelo Belga junto con inmensidad de otras obras de arte. Por otro lado, Hitler, se encargó de ordenar destruir y quemar todo aquel arte que consideraba subversivo, ya sea de estilo vanguardista, cubista o surrealista, más lo que habían sido realizados por judíos u originario de artistas de raza eslava. En Europa, el arte estaba en peligro de extinción, no sólo por la acción de los nazis y su afán de robar y destruir, sino por las devastadoras consecuencias de los combates y bombardeos en todo el continente.
Con un importante trabajo de investigación y seguimiento, con el avance de las tropas aliadas, poco a poco los Monument Men iban acercándose a sus objetivos. Con la entrada de los aliados en Alemania, la gran primera ciudad a proteger tras su recuperación fue la antigua capital de Carlomagno, Aquisgrán, donde nuestros héroes, empezaron a conseguir pistas sobre los lugares a donde se llevaban las obras requisadas en toda Europa. Además, la invasión se convirtió en una carrera contra los soviéticos, que en su afán de conquista, pretendían hacerse con el mayor número de tesoros artísticos para llevárselos a Rusia, por lo que la misión de los aliados occidentales, era adelantarse a estos y poder devolver las obras recuperadas a sus lugares de origen.
Finalmente se logró localizar en territorio Alemán, escondidas en minas de sal, bunkers bajo tierra y otros lugares recónditos, incluido algún que otro castillo austriaco, gran parte de la obras robadas en Europa, incluida la Madonna de Brujas y el Políptico de Gante. Sin embargo a día de hoy todavía no se sabe nada de alrededor de 200.000 obras de arte, que bien pudieron ser destruidas al morir Hitler o quedaron en manos de oficiales y soldados nazis. En definitiva un documental muy interesante que complementa a la perfección tanto el libro editado en 2012, como la película dirigida por Clooney.

lunes, 24 de febrero de 2014

"Bárbaros y romanos en Hispania. 400 - 507 A.D." - Javier Arce

Año 409 de nuestra era, los suevos, vándalos y alanos entran a la Hispania romana cruzando los Pirineos. Durante aproximadamente un siglo la península sufrirá una serie de cambios, en un periodo intermedio entre la existencia de una Hispania completamente romanizada, aunque en cierta crisis y una nueva realidad personificada en los primeros años del siglo VI en la figura del pueblo visigodo. Javier Arce, historiador y arqueólogo, es uno de esos estudiosos que no sólo ahondan en la investigación de esas zonas oscuras de nuestra historia, sino que tiene, además la capacidad de comunicar, de contar de manera fácil y clara, lo que aconteció en aquel siglo V en nuestra península. 

Lo primero que quiere aclarar y demostrar Arce es que las mal llamadas invasiones bárbaras que siempre se han visto como preludio de destrucción y barbarización, no fueron tal, sino que estos pueblos llegaron a la península como consecuencia de una serie de alianzas acordadas con los propios romanos que en aquellos primeros años del siglo V se encontraban en pleno desmembramiento del Imperio Occidental, protagonizando una guerra civil por el dominio territorial. En el primer capítulo, el autor nos desgrana el levantamiento de Constantino III en Britania y su salto a la Galia, lo que trajo repercusiones en la cercana Hispania. Esto hizo que la guerra civil se reprodujera en la península, donde por cierto, parece ser que no hay evidencia de la existencia de un ejército permanente romano en aquellos años. Por todo ello, las distintas facciones debieron contratar y reclutar tropas entre la población e inevitablemente, los suevos, vándalos y alanos, que ya llevaban un tiempo en la Galia, fueron invitados en octubre del 409 a cruzar los Pirineos para participar como aliados en la guerra. Una vez estacionados, hubo saqueos y ataques, pero por otro lado los propios hispano romanos aceptaron convivir con estas gentes que se asentaron en parte de la península. Los vándalos asdingos en el oriente de Gallaecia, los suevos en su parte occidental, los alanos en Cartaginense y Lusitania y los vándalos silingios en Bética. Curiosamente la Hispania romana sobrevivió independiente en Tarraconensis, Baleares y Maurinatina Tingitana.

Con el tiempo, en poco más de veinte años, tanto alanos como vándalos, desaparecieron prácticamente de la península, debido a las diversas guerras intestinas y también a la intención de los romanos de recuperar sus territorios, algo que lograron en primera instancia por medio de su propio ejército enviado para el caso y posteriormente con la utilización de sus aliados visigodos, que aunque vivieron hasta finales de siglo en la Galia, terminaron por introducirse y establecerse en Hispania conforme se iniciaba el siglo VI. Los suevos, en su rincón apartado y recóndito del noroeste de la península, mantuvieron su territorio bastantes décadas más.

El autor, tras introducirnos y plantearnos históricamente el devenir del siglo con sus propias circunstancias políticas y militares, afronta en los siguientes capítulos, material e información sobre la relación social, económica y administrativa de este territorio, en el que prácticamente, las instituciones romanas perduraron en cierta manera a nivel local y provincial, frente a la intrusión de los pueblos venidos de más allá de los Pirineos, que realmente fueron los que se amoldaron a las costumbre y realidades de la provincia romana, eso sí, quedando la población bajo el sometimiento de estos pueblos y sus reyezuelos.

Otros capítulos nos intentan explicar como influyó esta situación en las ciudades, villas, castra y castellas. Realmente, como podía suceder hasta el momento, los aristócratas gobernaban las ciudades, donde convivían romanos y bárbaros, con la peculiaridad de la nueva influencia e importancia del clero, que poco a poco asume poderes civiles, sumándolos a los propios espirituales, asumiendo un nuevo poder en el devenir de la historia. Tanto es así, que Arce comenta en su ensayo, lo poco que aparece en las fuente el término paganismo, dando por hecho, que aunque se diera en esa época, era minoritario, o simplemente no creaba ningún problema a la sociedad, quedando el panorama cristiano más que consolidado y predominante. Solo un asunto preocupaba entonces a la Iglesia y era la herética del priscilianismo, tratada durante el siglo en varios Concilios. Llama más la atención la posición predominante de poder de los Obispos, situación que perdurará en los siglos siguientes. En un último y corto capítulo, Arce nos intenta desvelar la situación económica de la península, sobre la que existen realmente pocos datos fiables y a veces simplemente especulativos.

En definitiva, como dice en su epílogo: "Ni caos, ni bárbaros destructores. Nos encontramos en un siglo de transición... marcado en muchos aspectos por la continuidad, por la permanencia, o el interés por esa misma permanencia". Definitivamente, en este ensayo el autor pretende demostrar, y creo que lo logra, que el impacto de los suevos, alanos y vándalos fue especialmente pobre. Las provincias romanas subsistieron en el tiempo, con su estructura más o menos sin cambios, basando su economía en un equilibrio entre los rural y lo urbano, pero dando una mayor entidad a las ciudades, todavía auténticos centros de poder y administración. Donde si hay un cambio cualitativo es en la posición de la Iglesia como poder, ocupando en cierta manera el espacio del poder civil anterior, dando importancia a su autoridad tanto ideológica como social.

Un libro esclarecedor de un siglo V, hasta ahora oscuro y a veces insondable, al que Javier Arce nos acerca con soltura y mucha erudición, con una capacidad de contar y transmitir que a veces echamos de menos en ciertos estudios y ensayos del género histórico. En definitiva una trabajo que me ha ayudado a eludir y apartar ciertos mitos que quizás, la educación de años atrás, insinuaba sobre la entrada de los "bárbaros" en la península.



domingo, 23 de febrero de 2014

"Las brujas de Zugarramurdi"

El último trabajo de Alex de la Iglesia, nos cuenta el atraco llevado a cabo por dos amigos, que junto al hijo de uno de ellos, recientemente separado, atacan una oficina de compra-venta de oro en la Puerta del Sol de Madrid, tras lo cual, inician la huída en un taxi secuestrado, con la intención de pasar la frontera hacia Francia. Poco antes de llegar a la zona fronteriza realizan una parada en el pueblo navarro de Zugarramurdi, famosos por sus akelarres de brujas realizados siglos atrás. A partir de este momento, el único interés de los ladrones es lograr sobrevivir al ataque de unas mujeres que resultan ser auténticas brujas y pasar la frontera con el alijo robado.
De ritmo frenético y alocado, Alex de la Iglesia, nos vuelve a presentar una película llena de bizarra comicidad, que junto a un poco de terror, aderezado de viejas leyendas oscuras del norte de Navarra, nos inicia por una aventura acelerada de tiros, huídas, peleas y akelarres, en las que las brujas pretenderán invocar a la madre de todas ellas, una colosal bruja, que seguro quedará en la retina del espectador por su bamboleante movimiento e inmensidad de físico nauseabundo.
Ganadora de 8 Goyas de la edición celebrada recientemente, casi todos ellos técnicos, excepto el de la mejor actriz de reparto, para Terele Pavez, el mérito de esta película está en la facilidad y pericia del director en crear escenas de acción, que junto con un montaje solvente y complejo, consigue ser, en mi opinión, el director que mejor entiende el género de acción de este país. Con la participación de un conjunto importante de actores, que realizan una interpretación tan alocada y pseudodivertida, como pretende ser la película, nos encontramos ante un film de puro entretenimiento, siempre que no demos mayor importancia al intento del guionista de introducir elementos chistosos y más o menos divertidos, que en mi opinión no logran arrancar más que unas  cuantas sonrisas facilonas.   

Sin embargo, en los momentos más álgidos de acción, como en su primera media hora, o en la maravillosa creación del akelarre, situado en las auténticas y verídicas cuevas de Zugarramurdi, es donde Alex de la Iglesia consigue aupar la película a niveles de calidad. Seguramente todo ello, de la sensación de que nos encontramos con un film algo irregular, donde su tramo central produce cierto hartazgo y aburrimiento, superado, como he dicho en su media hora final, donde el director, maneja con gran soltura la cámara y domina el género de la acción, sin problemas.

viernes, 21 de febrero de 2014

Desperta Ferro - "Los polacos de Napoleón"

Qué buen aficionado no se ha interesado alguna vez por las tropas polacas que acompañaron a Napoleón en sus campañas por toda Europa, desde España hasta la lejana Rusia. Precisamente éste es el tema elegido por Desperta Ferro para confeccionar el nº 8 de la serie dedicada a la Historia Moderna. No solamente los soldados polacos formaron parte del ejército napoleónico, como su máximo aliado en todas y cada una de las confrontaciones del 1º Imperio Francés, sino que además parte de estas tropas formaron parte de la guardia personal del Emperador.

Polonia en los albores del siglo XIX no existía sobre el mapa. Austria, Prusia y Rusia se habían repartido su territorio en los últimos años del siglo XVIII. Por esta razón, muchos militares polacos, se exiliaron a París, y cuando la figura de un joven teniente de artillería empezó a despuntar, llegando a convertirse Emperador, los polacos se acercaron a él, cual mesías que podría hacerles recuperar su país de origen. Si bien Napoleón, no quiso o no pudo devolverles el reino al completo, sino más que una parte de su territorio, convirtiéndolo en Ducado, que ni siquiera sobrevivió a la caída del Emperador en 1815, miles de soldados y oficiales polacos dieron su vida por un sueño que no se llegó a realizar.

Indispensable el artículo que intenta explicar la compleja situación de la cuestión polaca a finales del siglo XVIII. Es una buena introducción para comprender la idiosincrasia del espíritu polaco que promulgó años después apoyar a Francia en la consecución del Imperio. También claves, los que dedican sus páginas a describirnos las distintas aportaciones militares y sus divisiones al ejército francés y la gigantesca maquinaria armada del Imperio Napoleónico. En varios artículos se describen los encuentros militares en los que las tropas polacas protagonizaron grandes sacrificios para más gloria de su país y del Emperador, como la famosa carga de Somosierra y el sitio de Zaragoza en 1808, la brillante defensa del Ducado de Varsovia frente a Austria en 1809 y como no, su participación en la campaña de Rusia y en la batalla de Berézina de 1812. En todas ellas, las legiones polacas demostraron su valor defendiendo los colores franceses. Todos estos artículos, viene acompañados de extensos mapas y planos que sitúan los movimientos y emplazamientos de tropas en las distintas campañas y batallas. Llamar la atención, para finalizar, en la colaboración acertadísima, de expertos conocedores de la cuestión polaca y la participación de estas tropas, muchos ellos historiadores y estudiosos de origen polaco. 

jueves, 20 de febrero de 2014

Luz Casal - "Almas Gemelas"

Luz Casal llevaba cuatro años sin publicar disco y seis sin que lanzara álbum con canciones propias y temas inéditos. Tras ser intervenida por segunda vez de cáncer de mama en 2010, esta personalísima cantante no se rinde y continúa creando un cantar elegante, siempre con un gusto impecable, que recuerda a las grandes divas francesas de épocas pasadas. No es casualidad que incluya otros países en sus giras, sobre todo Francia. 

Este disco, incluido su primer single, de un perfil  más ligero, quizás realizado con el interés propio de presentar el álbum al gran público, está lleno de cadenciosos temas, cantados con esperanza y especial personalidad, como suele ser habitual en ella. En español, francés e italiano, esta dama de la canción, siempre consigue transmitirnos calidez y pasión en cada uno de sus temas, y en esta ocasión, no puede ser menos. 


miércoles, 19 de febrero de 2014

"El luchador"

En el año 2008 se estrenó esta película protagonizada por Mickey Rourke, titulada El luchador. Así, a primera vista y siguiendo la trayectoria de este actor, pocas bazas había para ir al cine. Para más inri, la temática del film se centraba en el mundo que rodea la vida de los participantes del espectáculo del wrestling, en Estados Unidos, en principio poco atractivo. Sin embargo y como sucede muchas veces, había que leer más allá del nombre del protagonista y fijarse en quien se encontraba detrás de esta producción. Y ahí estaba el muy personal y peculiar director, Darren Aronofsky. Y a partir de este dato, no había más que sumar parabienes hacia una película de corte independiente, que rebosa calidad por los cuatro costados.
El director, nos plantea los últimos coletazos de un veterano luchador de wrestling, que tras sufrir un ataque al corazón, decide retirarse de los combates que le hacían arrastrarse por medio país, para intentar recuperar el cariño de su hija, con la que no se habla desde hace años. Paralelamente, establece una relación con una striper, interpretada por Marisa Tomei. Estas almas solitarias y perdidas en la sociedad del profundo Estados Unidos, necesariamente tienden a entenderse y ha buscarse. Sin embargo, esta jubilación obligada por las circunstancias, no termina de cuajar en la vida de este viejo gladiador de los rings.
Si bien, el perfil de Rourke encaja en el papel que interpreta en la película, lo verdaderamente sorprendente, es el gran trabajo de interpretación que realiza en esta película. Consigue transmitir los sentimientos encontrados del protagonista, que ante el abandono de su profesión de luchador, no termina de encontrar un sitio en la vida. Como dice en un momento de la película, "la vida de ahí fuera hace más daño que las heridas sufridas en el ring", mostrando al espectador su sufrimiento y su desesperación ante la cotidianidad de un mundo del que ya no puede formar parte, su auténtica pasión, el wrestling. Marisa Tomei, le acompaña en un papel medido, encarnando a una madre soltera, que subsiste bailando en la barra americana de un local de striptis, del que desea huir lo antes posible. Realiza un grandísimo trabajo, demostrando que cuando la dirige un especialista en personajes, es capaz de dar mucho de sí. No por casualidad, sendos papeles fueron nominados a los Oscar de aquel año.

Con un guión solvente, muy trabajado en el aspecto interior de los protagonistas y donde las peleas denostadas de viejas glorias del wrestling toman cierto protagonismo, el resultado se presenta como una película íntima, personal, que ahonda en el alma de los personajes. En definitiva, una película de autor, que no cae en sentimentalismos, pero hiere en lo más profundo de nuestro ser y está compuesta para crear una conmovedora producción.

martes, 18 de febrero de 2014

"Milius"

Por pura casualidad estaba zapineando y me topé con el principio de un documental estrenado en 2013 sobre la vida y obra del guionista y director John Milius. Conforme avanzaba comprendí que no era casual que este hombre de gran envergadura física y personalidad conflictiva, fuera uno de los guionistas más importantes de la cinematografía de los años 70 y 80. 
Desde joven su único deseo era entrar en el ejército, incluso se quiso alistar voluntariamente para combatir en Vietnam, pero no fue admitido por padecer asma. Su siguiente paso fue apuntarse en la Escuela de Cine de la USC, donde coincidió con George Lucas y otros grandes futuros directores. Resaltó como un espléndido guionista, participando años después en la creación de "Apocalípsis Now" de Coppola. Junto a Spielberg y Lucas, compartían los guiones con los que trabajaban, admitiendo, estos dos directores, de la colaboración en el guión de películas como "Tiburón" o "Star Wars". Incluso realizó, años antes, los guiones de las celebradas películas "Las aventuras de Jeremíah Johnson" y "Harry, el Sucio".
Por otro lado decidió imbuirse en su carrera como director, realizando películas notables como, "Dillinger", "El Viento y el León", "El gran Miércoles" y "Conan, el Bárbaro". Sin embargo, su película "Amanecer rojo" no fue entendida por la Industria del cine, aunque  sí por el público, debido a su utilización de la violencia y sus ideas propias de la derecha más conservadora norteamericana. Esto unido a su gusto por las armas y a que no se mordía la lengua a la hora de criticar el entorno liberal de la farándula de Hollywood, hicieron que Milius pasara a segundo plano y dejara de trabajar con las grandes productoras.
Años después regresaría al cine con la dirección "Adiós al rey" y "El vuelo del Intruder" y los guiones de "La caza del Octubre Rojo" y "Jerónimo", pero sin conseguir grandes resultados, ni el reconocimiento de una Industria, que lo consideraba demasiado "de derechas", algo inconveniente y sobre todo muy impulsivo en la cercanía. Su último trabajo relevante fue la creación para la cadena HBO de la estupenda serie "Roma".
Tras sufrir un desfalco provocado por su contable, que le robó una importante cantidad de dinero y años después padecer un ictus, que le dejó sin habla, los últimos años de este personaje, los ha dedicado a recuperar su situación anterior, su capacidad de expresar sus ideas, con la idea de sacar a la luz su próximo proyecto, todavía sin terminar: la vida de Genghis Khan. 
Este documental es un homenaje a John Milius, un personaje controvertido, por sus ideas y su manera de ser. Genio en sus guiones y extravagante en sus películas, miembro de una de las generaciones más extraordinarias que el cine a tenido en los últimos 40 años, puede contar con la amistad de directores que han colaborado en el documental, como Spielberg, Lucas, Coppola, Zemeckis, Mann, Singer, Eastwood y muchos más. Qué más puede querer Milius que el respeto de sus amigos, independientemente de su ideología y compleja personalidad. Un documental digno de visionar, no solo por el personaje en sí, sino por la época que le tocó vivir, uno de los momentos más creativos e impresionantes de la historia del cine. 

lunes, 17 de febrero de 2014

Navarra - Camino de Santiago - Pamplona - Puente la Reina

La travesía que hemos realizado este mes, nos ha llevado a recorrer la etapa del Camino de Santiago, que transcurre entre Pamplona y Puente la Reina, que tiene una longitud de 24 kilómetros. A lo largo de ella, se asciende a la Sierra del Perdón, donde se levanta un monumento a los peregrinos. A partir de aquí se desciende hacia Puente la Reina, cruzando por pueblos de históricos nombres, como Uterga, Muruzabal y Obanos. Finalmente se llega a Puente la Reina, donde se cruzan los Caminos de Francia y Aragón, y desde donde enfilan unidos, camino de Santiago de Compostela. Cuelgo algunas fotos de un trayecto sencillo y muy agradable de recorrer, en donde monumentos e historia se mezclan con el espíritu del caminante

domingo, 16 de febrero de 2014

"Golpe de efecto"

Cuando un veterano ojeador de jugadores de ligas menores de beisbol, comienza a tener problemas de visión, y el club con el que trabaja está pensándose muy seriamente deshacerse de él, su hija, abogada a la que le aguarda un exitoso futuro, decide acompañarle en la última semana antes de la elección del draft para la nueva temporada.
Clint Eastwood actúa en esta película de género sobre el beisbol, sin intervenir en la dirección ni en ningún otro factor de su producción, y se nota. Es decir, el director novel, Robert Lorenz, presenta en la figura del ojeador anticuado, pero con un olfato estupendo para localizar nuevas promesas, a un anciano gruñón, viudo y que no se habla con su hija desde hace muchos años. Realmente es un papel que hemos visto en otras ocasiones en la figura del mítico Eastwood. Lo que pasa, es que no se dirije a sí mismo y el guión, bastante soso, flota entre la comedia romántica alrededor del deporte, y el drama de un anciano anticuado, al que los nuevos tiempos pretenden jubilar a pesar de los años de trabajo y esfuerzo.
Sinceramente nos encontramos con una película plana, que nos suena demasiado a otros films dedicados al beísbol y que pretende, con una resolución sosa y anodina, acercarnos al mundo de los ojeadores de jugadores de beisbol, que recorren los campos de juego de los pueblos en los que multituid de chavales buscan hacerse un hueco para jugar en las ligas mayores.
Sólo la figura de Clint Eastwood logra dar cierto empaque a esta película ñoña y aburrida. Ni siquiera, la en otras ocasiones estupenda, Amy Adams, logra aportar calidad a su papel de hija absorvida por su trabajo y que se siente incomprendida por su padre. La participación de Justin Timberlake y John Goodman tampoco logran levantar una película, sólo recomendada a los amantes del beisbol y de las comedias románticas entre antagónicos.

viernes, 14 de febrero de 2014

John Mayer - "Paradise Valley"

Definitivamente, John Mayer es el mejor representante actual del blues blanco americano, recuperando de sus raíces las melodías más auténticas de creadores, como el recientemente desaparecido J.J.Cale, y logrando estacionarse como uno de los más reputados cantautores del folclore americano más intemporal.

Aún así, podría decirse, que Mayer todavía no ha logrado desvincularse del estilo de sus padrinos musicales y es posible que todavía este buscando su propio camino en su senda musical. Aún así, su versatilidad con la guitarra, tanto eléctrica como acústica, como su peculiar voz, con la que sin apenas esfuerzo logra dar personalidad a sus canciones, consiguen que nos encontremos con un disco vibrante, que puede resultar un antes y un después en su carrera.

jueves, 13 de febrero de 2014

"El mapa del tiempo" - Félix J.Palma

El afán de viajar en el tiempo y, por un lado, ver lo que devendrá al ser humano en el futuro, o bien, viajar al pasado para cambiar algo que ha afectado a la humanidad o al universo más cercano del individuo, es una aspiración, que ha volado sobre la imaginación de muchos escritores, sobre todo en el siglo XIX. Y precisamente, es este el tema clave del libro que hoy reseño. Una novela escrita por el andalúz Félix J. Palma y que ganó el Premio Ateneo de Sevilla en 2008.

El autor juega con una serie de personajes que viven en Londres a finales del siglo XIX y que entrecruzan sus vidas alrededor de la idea de los viajes en el tiempo y sus posibles consecuencias en la vida de cada uno de ellos. Para ello, Palma, se sirve de personajes reales, reconocidos por sus diferentes actitudes o situaciones en la vida y cultura de la capital Victoriana. Figuras como Jack el Destripador, el Hombre Elefante, H.G.Wells y su obra, y de manera más residual, Henry James o Bran Stocker, irán apareciendo en la novela, discurriendo por ella, entre imposibles viajes en el tiempo y las situaciones que servirán de nexo en la trama de la historia.

El libro se divide en tres grandes capítulos, en los que, aún contanto distintas historias, todas ellas en algún momento de la novela se entrecruzan, haciendo coincidir a los diversos persoanjes de la novela. Su primera parte, trata sobre una serie de incidencias alrededor del libro de Wells "La máquina del tiempo" y de una empresa de "viajes" de otro inventor, que asegura que puede viajar al futuro; justo al año 2000. En la segunda parte, la trama nos describe una historia de amor, con su transfondo en unos sucesos acahecidos en el viaje al año 2000. Y la tercera, pretende concluir la historia con una serie de teorías y juegos sobre los viajes en el tiempo y la relación de estos con las últimas obras de ciertos escritores y particularmente "El hombre invisible", de Wells.

El libro es un homenaje a la obra de este visionario escritor y a la época en la que vive. Una sociedad británica abierta a nuevos descubrimientros y estupendas invenciones, que elevan la imaginación de los interesados a niveles insospechados. El autor juega con sus conociemientos de la obra de Wells y un profundo estudio del Londres de finales de siglo XIX. La ambientación está especialmente cuidada y logra trasladarnos sin dificultades a los barrios y calles de Londres. A su vez, Palma, es capaz de entrecruzar inteligentemente a los personajes reales con los que trata y los que no lo son, logrando que la trama fluya en interés del autor. En numeros ocasiones, consigue engañar, no sólo a los personajes con los que juega, sino también al propio lector, quien participa de los enredos creados por los viajes en el tiempo, sin que éste sepa si lo que está leyendo es real o no.

Sin embargo, respecto a la narrativa del libro, tengo algún problema. En mi opinión abusa de largos párrafos y conforme avanzas en su lectura, dudas de si realmente era necesaria tanta extensión narrativa. Incluso hay momentos de la novela en que se repiten ciertas explicaciones y descripciones de hechos ya producidos en páginas anteriores. Además, sobre todo en su última parte, da la impresión que el autor pretende dar demasiados giros y explicaciones a una trama, que ya de por sí resulta algo complicada al respecto de los viajes en el tiempo y de sus consecuencias. Hasta tal punto, que en mi opinión, este último tramo enmaraña en demasía el argumento de un libro, en general muy bien escrito y en su temática, suficientemente atractivo. 

En conclusión, estupenda ambientación y buen tratamiento de personajes, en un libro homenaje a la obra literaria de H.G. Wells, que desarrolla en sus dos primeros tercios, buenas y entretenidas historias alrededor de las posibilidades de viajar en el tiempo en la época victoriana y sus consecuencias en los personajes protagonistas. Sin embargo, la novela decaé en su último tramo, quizás por el esmero del autor en dar excesivas explicaciones y crear algún que otro giro complicado a la temática de estos viajes temporales, que tanto llamaron la atención a la sociedad londinense de finales del siglo XIX.

miércoles, 12 de febrero de 2014

"Turistas"

Un mujer introvertida, que vive con su posesiva madre y que acaba de perder, en un surrealista accidente a su querido perro, conoce a un hombre del que se enamora y con el que decide recorrer durante una semana la campiña británica en una auto caravana. Conforme transcurre el viaje una serie de simples sucesos, harán que esta pareja se pierda en la complejidad de su extraña relación y las diversas situaciones extremas generadas con terceras personas.
Ganadora en 2012 en el Festival de Sitges de sendos premios a la mejor actriz y al mejor guión, esta película dirigida por el británico Ben Wheatley, juega con cierta comicidad, con los sucesos que van aconteciendo a lo largo de la excursión por algunos lugares extravagantes de la campiña inglesa. Hechos que, de la manera más objetiva, fría y cruel, hacen que estos personajes solitarios e incomprensibles que desprecian al género humano, antepongan sus sentimientos encontrados y una relación pasional.
Con un punto de vista, que podríamos describir como lírico y evocador, situando la acción en un bello entorno campestre, esta historia romántica y sangrienta, pretende jugar con los sentimientos del espectador, generando sensaciones contradictorias sobre la crueldad del ser humano, pasándola por el tamiz de la relación de dos seres perturbados, que desarrollan su personalidad compleja, dentro de su personal historia de amor. Un film rompedor, con escenas brutales, por su frialdad y ejecución, y diálogos ingeniosos, que juega con la evocación de los protagonistas por llegar al final de su viaje, en un epílogo genial y sorprendente.

martes, 11 de febrero de 2014

"Boris Godunov" - Modest Mussorgsky

Posiblemente, el segundo concierto de esta temporada del Auditorio Baluarte de Pamplona, haya sido uno de los más memorables de los representados en los diez años de su existencia. La Orquesta de la Opera de Capitole de Tolouse, junto con el Orfeón Donostiarra, presentaba en tierras navarras, la representación en versión concierto de la monumental y profunda opera de Modest Musorgsky, "Boris Godunov", de la mano del director Tugan Sokhiev, recientemente elegido director titular del Teatro Bolshoi de Moscú.
El argumento de la ópera versa sobre Godunov, un boyardo que mediante su papel preponderante en la corte de Iván el Terrible, tras la muerte del Zar y de su primogénito, confabula con el asesinato del hijo menor del difunto lider. Tras años de gobierno en una Rusia hambrienta y pobre, un monje, decide suplantar el papel del difunto príncipe, enarbolando la bandera de la dinastía extinta. Godunov, entre su responsabilidad como lider del pueblo ruso y su responsabilidad en el infanticidio cometido años atrás, sufre  en su conciencia las acciones cometidas años atrás.

Esta es la única ópera acabada del grandísimo compositor romántico y nacionalista, Mussorgsky, que ante el empuje de las creaciones operísticas francesas e italianas, formó parte del famoso grupo de los Cinco, y pretendió elevar musicalmente hablando las composiciones rusas en un espíritu nacionalista, encumbrando la tradición y el flocklore ruso.
El concierto, de dos horas y cuarto de duración, fue un auténtico éxito, proporcionalmente merecido por la orquesta, coro y solistas. Tugan Sokhiev consiguió ensamblar a la perfección el sonido de una gran orquesta, formada por más de cien maestros, con la trayectoria y profesionalidad del Orfeón Donostiarra, sin duda el mejor conjunto coral del país. Si a esto añadimos el buen hacer de un grupo de solistas, que conjugaban calidad y presteza en sus escenas, conseguimos una velada de las que se consideran irrepetibles. Pero sin duda, llamar la atención en el protagonista. El bajo, de reconocido historial, Ferruccio Furlanetto, dibujó, un Boris Godunov, técnicamente perfecto, amplio en su voz y excepcional en la transmisión de sentimiento y expresividad, de un papel, que destila sufrimiento y complejidad en el personaje. No por casualidad, el año pasado cantó este rol en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo y en el Teatro Bolshoi de Moscú, siendo el primer occidental en hacerlo en ambos escenarios. Sus compañeros no desmerecieron en capacidad vocal y artística, interpretando sus papeles a la perfección, a pesar de la dificultad que representa transmitir al espectador los sentimientos, en una versión de la ópera en concierto. Transmitieron al espectador la sensibilidad y complejidad de la obra, basada en una creación del excelso escritor Alexander Pushkin. Sin ninguna duda, uno de los mejores conciertos celebrados en Baluarte en sus diez años de existencia.

lunes, 10 de febrero de 2014

Benjamin Clementine - "Cornerstone"

Cantante británico de padres ghaneses, fue decubierto por un caza talentos en las calles de París. Gracias a esto, logró publicar un EP, que presentó a finales de 2013 en el famoso programa de la BBC "Later with Jools Holland", donde compartió escenario con Paul McCarthy, del que recibió, junto a la crítica, excelentes elogios.

De un estilo diferente, en el que mezcla su increíble forma de interpretar el piano, con una voz de toques timicamente étnicos y de textura grave y profunda, logra crear canciones donde el sentimiento y la potencia vocal se funden, hipotnizando al espectador. Prepara disco para este año 2014. Lo espero con especial impaciencia.

domingo, 9 de febrero de 2014

"300" - El cómic y la película.

Entre 1997 y 1998, Frank Miller, ejerciendo de guionista y dibujante, creó uno de los comics más valorados y sorprendentes de la historia del género. De manera valiente y desarrollando una tématica no muy explorada en el mundo del cómic, como es la historia y en este caso una de las batallas más famosas de la antiguedad. Miller desarrolló un diseño, un dibujo e incluso una estética, nueva y rompedora, con la que acercó a un género masificado de super héroes, la historia de un grupo de guerreros espartanos, que bajo el mando de su rey Leónidas, peleó y fallecío en las Termópilas frente las masas ingentes de persas, comandadas por el rey jerjes, que pretendían, invadir Grecia. Por supuesto, la aproximación histórica, es sólo eso, una aproximación que sirve de excusa para crear un cómic tan realista y brutal, como podía ser la batalla en épocas arcáicas. Que no busque el aficionado a la historia, una historicidad realista, fiel a la realidad histórica, valga la redundancia. Sólo es una excusa para romper los esquemas del cómic y crear un estilo novedoso y que supone un antes y un después en el género.


Con un  estilo directo, enalteciendo el valor y la fiereza de los espartanos, logró acercar a la masa de consumidores de cómics, un momento histórico, célebre y recordado por el valor de sus protagonistas. Presenta un cómic lleno de sangre y violencia, desarrollando el espíritu, más o menos real, de un pueblo aguerrido y orgulloso de su modo de vida, que se enfrenta ante la adversidad.

 Con trazos sucios en el dibujo, tratando pocos colores, basicamente el negro, blanco y rojo, con ocres para los paisajes y fondos, Miller rompe los esquemas del cómic, no sólo por la temática, sino también por la presentación, jugando con la página apaisada, dando más realce y duración a las escenas de batalla, en las que las lanzas llenan las viñetas, inundadas de rojo sangre y el rojo de las capas de los espartanos. Una obra que no puede faltar en las estanterías de los amantes del género y de los que no lo son tanto.
En 2006, el director de cine, Zack Snyder, sorprendió a propios y extraños, con una versión cinematográfica del cómic de Miller. Con un estilo que busca parecerse lo más posible a las ilustraciones plasmadas en papel por su creador, Snyder no sólo logra trasladar a la pantalla el cómic de una manera fiel, sino que en su búsqueda de lo novedoso, logra crear una manera diferente de hacer cine, basada en las técnicas ya conocidas de la pantalla verde, pero logrando convertir el cómic en cine. El resultado sorprendió a todos, logrando crear un universo nuevo, llamativo y muy visual , basado más en la imagen, que en el guión, logrando hipnotizar con sus imágenes al espectador. 

Otra cosa es el resultado logrado por el guión. Siguiendo el cómic al 100%, exceptuándo algún añadido que luego comentaré, en el comic book de Miller, el guión resulta tan fiel, que parece impostado, falso e incluso irreal. He aquí el problema de trasladar un producto que proviene del papel y de la velocidad de lectura, habitualmente consumido por un público más pendiente de las ilustraciones que de los bocadillos que le acompañan. Lo que resulta realista, directo y visual, al llevarlo a un guión de cine, no genera el mismo resultado, lo que deviene en un hándicap para la película. Además, la extención del film, obligó a Znyder a inventarse, crear nuevos personajes y situaciones que no aparecen en el cómic, desvirtuándo el original. Así sucede con la aparición en un papel principal y paralelo de la batalla de las Termópilas, con la esposa de Leónidas. Algo muy criticado no solo por los aficionados al cómic sino también por los que, basándose en los libros de historia, no reconocen la labor de esta mujer espartana en una sociedad como aquella. Lástima de su inclusión, que sólo genera sombras más que luces en una película, que plasma sorprendentemente en la pantalla lo que Miller llevó al papel. 

He aquí varios ejemplos de este gran trabajo realizado por Znyder y su equipo, que consiguieron lograr el objetivo de universalizar no sólo un cómic de gran nivel, sino también un personaje histórico, como el rey espartano Leónidas y sus trescientos valientes.