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domingo, 30 de junio de 2013

"Sin tregua"


David Ayer dirigió en 2008 una película titulada “Dueños de la calle”. Su argumento iba en la línea de la película de Fuqua de 2001 “Training day” y trataba sobre la vida de un policía antidroga de Los Angeles y la corrupción del Departamento al que pertenece. El director, sin llegar a la calidad de la cinta en la que Denzel Washington ganó un oscar en el año 2001, nos ofrecía una solvente trama protagonizada por el irregular Keanu Reeves. 

El año pasado se estrenó “Sin tregua”, la última película de David Ayer, protagonizada por Jake Gyllenhaal y Michael Peña. El director nos vuelve a situar en Los Angeles, en los barrios más conflictivos de una ciudad llena de bandas y guerras raciales, en las que los hispanos-mejicanos y los afro-americanos se matan entre sí para dominar las calles y el tráfico de droga. Y en medio, se encuentra la policía. Precisamente, nuestros protagonistas, encarnan a una pareja de patrulleros de la policía de L.A. La película nos invita a viajar en el día a día de estos personajes y de la comisaría de policía a la que pertenecen, los problemas diarios a los que se enfrentan, sus patrullas por los suburbios de la ciudad, las relaciones personales a las que se enfrentan y su desarrollo como personas en el cuerpo de policía y fuera de él. Por supuesto la trama encuentra su cénit cuando descubren un gran alijo de droga y pasan de ser meros agentes de servicio a objetivos de los narcos. Sin embargo antes de llegar a este momento, el director se ha preocupado de que enfaticemos con unos jóvenes que cumplen y hacen cumplir la ley de manera cotidiana y cuyo objetivo es servir de muro de contención entre la sociedad y la delincuencia de una ciudad llena de bandas y armas. 

Esta película fluye en la dirección de anteriores trabajos en los que la policía de Estados Unidos centra el protagonismo. No solo como cuerpo policial sino como hermandad y familia, creando entre los miembros de la policía una relación de sangre que los une frente al exterior, como únicos defensores de la ley en la sociedad. Tiene un paralelismo con películas tan excepcionales como “Colors” dirigida por Dennis Hooper o “La noche es nuestra” de James Gray. En todas ellas la policía se presenta como la protagonista fiel y hermanada que lucha en las calles contra la delincuencia de las bandas, cárteles y mafias que asolan las calles de Estados Unidos. 

Los dos protagonistas de la película que hoy reseño, realizan un trabajo estupendo, describiéndonos la vida y el trabajo de sus personajes de manera muy realista y hasta natural, haciéndonos más que creíbles las situaciones que se les presentan a diario. En muchas ocasiones nos trasladan muy claramente la tensión de la inseguridad de las calles y la peligrosidad de la delincuencia armada que abunda en los suburbios que patrullan. Sin duda el director quiere con esta cinta homenajear la labor y el día a día de los policías anónimos que patrullan las calles. Policías a los que sus familias esperan todas las noches sin saber si recibirán una llamada  anunciándoles lo peor. 

El director, pretende además, con la utilización en algunos tramos de la película de cámara en mano, acercarnos más a la tensión que sufren los policías en sus intervenciones. Este es un arma de doble filo, ya que si bien nos acerca más a la visión del protagonista y a los hechos, desde la primera persona del actor, también produce cierta inestabilidad en la visión de la película por la rapidez de movimientos y se reduce la calidad de la grabación. Pero claro, este es un efecto buscado por el propio realizador. 

En definitiva una película de mucha calidad y recomendada a los aficionados de las películas de temática policial, con una buena dosis de realidad y acción.

sábado, 29 de junio de 2013

Gabrielle Aplin - "English Rain"


Una guitarra, conexión a internet y colgar sus canciones en Youtube. Poco más necesitó Gabrielle Aplin para que sus grabaciones comenzaran a ser seguidas y escuchadas por los internautas de todo el mundo. De ahí a publicar su primer álbum solo fue cuestión de tiempo. Su disco se llama "English Rain" y ha sido el sello discográfico "Parlophone", el mismo que publica los trabajos de "Cold Play", el que le ha dado la oportunidad de ascender al estrellato.  

Una cara bonita, juventud a raudales, canciones sencillas, frescas y muy pegadizas, son el sello de identidad de esta cantante británica. Un poco de folk, otro poco de pop y todo ello aliñado con el sonido de pianos y guitarras acústicas, dan como resultado un álbum muy idóneo para el verano.
 
 

viernes, 28 de junio de 2013

"La isla de los cazadores de pájaros" - Peter May


No tengo excesiva afición por la novela negra o de misterio. Prefiero elegir el medio cinematográfico y las series de la pequeña pantalla para disfrutar de las historias policíacas. Sin embargo hace poco me hice con un libro del escritor escocés Peter May, uno de los escritores europeos más reconocidos en el mundo literario de la novela de suspense.

El argumento de esta novela titulada “La isla de los cazadores de pájaros” arranca con un asesinato cometido en una isla al norte de Escocia. Un detective nacido allí, pero que ahora trabaja en Edimburgo es seleccionado para que acuda a investigarlo, debido a que el modus operandi es muy parecido a otro asesinato cometido en dicha ciudad. El protagonista tendrá que volar hasta la isla y comenzará a reencontrarse con viejos conocidos y con sus recuerdos de infancia vividos hace ya muchos años.
 
En principio, el ritmo y el esquema del libro nos llevan por el camino de la investigación del asesinato. Van apareciendo personajes, propios de este tipo de novelas. El policía del pueblo que colabora con el investigador de Edimburgo, el inspector jefe al mando que resulta de lo más engreído y prepotente… Sin embargo, conforme avanza la lectura nos vamos cuenta que no estamos ante una novela de misterio al uso. Conforme se atan y desatan cabos a lo largo de la trama del asesinato, vamos descubriendo, gracias a los conocidos del protagonista, el pasado de nuestro detective, su infancia, amores, desgracias y deseos.

El escritor escocés Peter May estudió varios años el modo de vida de los habitantes de la inhóspita isla de Lewis, su rutina diaria, las calles, las playas y acantilados, el quehacer de los pescadores, las escuelas, la influencia de las diferentes Iglesias que conviven en la isla, la lacra del paro… Con esta base ha conseguido dibujar un perfecto cuadro del día a día, de lo cotidiano de la población, en donde hace transcurrir la trama del libro.
 
Mientras se narra la investigación llevada a cabo por el detective, el autor va desgranando su infancia, durante la cual suceden una serie de hechos que marcarán, no solo su vida, si no también la de las personas de su entorno, ya sean amigos, familiares y conocidos. Una serie de hechos que transcurren durante una de las tradiciones más famosas de la Isla Lewis marcarán definitivamente el devenir de sus vidas. Está tradición centenaria consiste en la captura de un cupo de dos mil crías de albatros por un grupo de doce hombres de la isla, que se trasladan para este cometido a un pequeño islote llamado Sula Seguir, donde durante dos semanas, casi completamente incomunicados, realizarán esta labor que sus ancestros realizaban hace varios siglos. La descripción de estos hechos es uno de los puntos culminantes y más atractivos de esta historia.
 
Resaltar por otro lado, el buen uso de la palabra para describirnos y hacernos partícipes de la climatología y la situación geográfica de la zona donde transcurre la historia. Sin duda alguna, el paisaje, los acantilados, los páramos y como no, la lluvia y sobre todo el viento, capitalizan y protagonizan una parte importante de los hechos sucedidos. El ambiente tormentoso, la humedad, la hostilidad del clima y la mera  dependencia de la vida cotidiana de los habitantes a las condiciones climáticas, se presenta como un personaje más de la novela.
 
En definitiva una historia de suspense, pero que va más allá, describiéndonos la manera de vivir en esas latitudes de los personajes que protagonizan el libro. En general, la novela me ha dejado un buen sabor de boca. Quizás, el final de la historia es algo predecible y resulta un poco atropellado, pero en conjunto la trama funciona bastante bien.

jueves, 27 de junio de 2013

"Skyfall"


“Skyfall” es la última película de James Bond y fue estrenada en 2012. Es la tercera vez que Daniel Craig interpreta al agente secreto y su lanzamiento se produce después de que la anterior titulada “Quantum of Solace”, fuese una de las peores películas de la serie y la productora que tiene los derechos de James Bond pasara por severos problemas económicos. En esta ocasión, y con la iniciativa de re-escribir el perfil y el tratamiento del agente secreto, se encargó la dirección de la película a un realizador, no especialmente habituado a este tipo de films de acción, pero con una carrera más que solvente a sus espaldas. Nos referimos a Sam Mendes, director de las espléndidas “American Beauty”, “Camino de Perdición” o “Revolutionary Road”. 
A esto hay que añadir la pretensión de la productora de hacer cambios en la serie, con lo que esta película es el eslabón hacia una nueva línea de personajes y tratamiento de James Bond. Por un lado, es la última interpretación de Judi Dench en el papel de “M”, que al final de la película se verá sustituida por el actor Ralph Fiennes. Aparece y se retoma de las clásicas películas de Bond el papel de Mony Penny, como la secretaria de “M” y nos encontramos a un “Q” rejuvenecido y experto en redes e informática. A su vez a lo largo de la película se pone en tela de juicio la edad y la solvencia del agente James Bond, que tendrá que demostrar que todavía sirve a su Majestad como en sus mejores tiempos. 
Una de las apuestas de la película es la figura del malvado enemigo de Bond. En este caso el papel lo interpreta Javier Bardem, que realiza un trabajo de calidad, sobre todo en su primera aparición, donde tiene un monólogo por el que será recordado como uno de los mejores malos de la serie. Sin embargo, y no por su culpa, si no por exigencias del guion, la interpretación se va malogrando conforme avanza la trama, convirtiéndose en un mero esperpento y una hilarante caricatura del personaje inicial, quedando su interpretación muy difuminada. 
Sam Mendes se encuentra con un problema de difícil solución. Y es que no tiene experiencia en las escenas de acción y se nota, y en comparación con los momentos del guion en los que se plantean temas más profundos sobre los propios pilares del servicio secreto británico, muestra mucho desequilibrio, dejando una sensación de inconsistencia a lo largo de su metraje. Por otro lado me pregunto por qué es tan mala la calidad del metraje dedicado a la estancia de Bond en Macao. Realmente el bajón en este tramo es inmenso y la actuación de la actriz Berenice Marlohe es absolutamente deprimente. 

No me queda más que añadir que, como siempre los títulos iniciales de la película, con la canción de Adele, parece que se trabajen como una película aparte, siendo garantía de calidad, además de unos efectos de sonido extraordinarios, que recibieron junto a la cantante, sendos Oscar. En definitiva un buen intento de relanzar al personaje que, con un poco más de esfuerzo, en la próxima entrega de la serie podría ponerse al nivel de la primera película que interpretara  Craig, “Casino Royal”, que sigue siendo, en mi opinión, la mejor de esta última etapa de James Bond, sin duda alguna.

miércoles, 26 de junio de 2013

Desperta Ferro - "1938. La Batalla del Ebro"



Este mes de mayo, la revista Desperta Ferro, ha publicado su  Especial Número III, dedicado a la Batalla de Ebro, acontecida en el segundo semestre del año 1938. Para ello, no cabe duda, que la dirección de la revista ha realizado un importante esfuerzo, ya que el número consta de 80 páginas, realizando un amplio y generoso estudio de lo acontecido antes, durante y después de la que es la batalla más importante de la Guerra Civil española.
El núcleo de este número son sendos artículos que relatan los dos momentos en que se divide la batalla. Por un lado, la ofensiva Republicana, realizada el 25 de julio, que en un primer momento toma por sorpresa las líneas Nacionales, y por otro la contraofensiva realizada por el bando Franquista a lo largo de los 3 siguientes meses, hasta provocar la retirada de los Republicanos tras el río Ebro. Estos dos artículos nos presentan de manera pormenorizada los distintos movimientos de los contingentes enfrentados, acompañados de no pocos y detallados planos. Además se encuentran secundados por otros dos artículos que explican los antecedentes y las consecuencias de la batalla, corroborando en sus explicaciones la consideración de ser la batalla más importante, tanto estratégicamente como en número de bajas, de la guerra.
Acompañando al núcleo fundamental de la revista, sus editores nos explican distintos elementos a considerar paralelamente al estudio de la batalla en sí, como puede ser el uso de la inteligencia militar por ambos bandos, la vida cotidiana de los soldados en el frente, las diferentes doctrinas militares ejecutadas por los mandos de los ejércitos enfrentados, el valor de la aviación en la batalla y el uso de las tropas marroquíes en el bando Nacional. Todos ellos, artículos de gran interés y presentados de manera muy clara y estudiada por los distintos articulistas.
Para terminar hay otros artículos referidos a la batalla, como la anécdota vivida por varios periodistas extranjeros al cruzar el Ebro, la experiencia de un cuerpo de enfermeras británico en la retaguardia republicana y las labores de arqueología realizadas sobre el terreno en la actualidad.
En conjunto, este número, no hace más que confirmar la seriedad y la calidad de esta revista.

martes, 25 de junio de 2013

"El Gran Gatsby"


Una voz en off comienza a contarnos la historia que nos hará envolvernos de los excesos, miserias y deseos de la sociedad americana de los años veinte, personalizado en la figura de Jay Gatsby y los personajes que lo acompañan en la película. El joven Nick Carraway nos invita a conocer la vida del protagonista, un rico desconocido que llega a Long Island rodeado de riqueza, lujo y grandes fiestas, a las que acude la poderosa sociedad americana, enriquecida por el boom bursátil de la época y que tras la prohibición del alcohol, ha dado salida al desenfreno, cayendo en la superficialidad de lo aparente.
Baz Luhrmann se ha lanzado a revitalizar y reinterpretar “El gran Gatsby”, el gran libro de Scott Fitzgerald, una de las grandes novelas de la literatura norteamericana. Pero además se encuentra con la tesitura de enfrentarse a ser comparada con la película que en 1974 interpretó Robert Redford, quedando en nuestra retina la imagen imperecedera del seductor actor encarnando al personaje de Gatsby. El reto era importante, pero el director se ha enfrentado a él sin miedo y con una total fidelidad a su estilo personal. El esfuerzo creo que ha valido la pena, dando lugar a una película muy personal pero también fiel a los personajes originales y transmitiendo el espíritu de la novela.
La primera parte de la película es la más identificada con el estilo personal del director. Espectacularidad en el montaje, vestuario y el exceso de las escenas que representan las fiestas que se celebran en casa de Gatsby es la firma más personal y poderosa de la forma de rodar del director de “Mouline Rouge”. La música moderna y los bailes desenfrenados, sin embargo no resultan excesivamente artificiales, dentro de la intemporalidad de la que gusta el director a la hora de plantear la banda sonora de la película. Todo estos fuegos artificiales, que para algunos resultan fuera de lugar, creo que sitúa al espectador en el mundo ideal y de excesos con el que el protagonista pretende enamorar o comprar a la sociedad del momento para lograr su objetivo, que no es otro que el de recuperar a su amada de juventud. En conclusión, todo este juego de color y sonido, planteado por Lurhmann solo es el artificio, la rampa de lanzamiento que utiliza para plantearnos la trama principal de la historia. Una historia de amor y desamor, de fidelidad e infidelidad, de promesas cumplidas e incumplidas, que se va desarrollando a partir del encuentro de los dos enamorados.
Y es aquí cuando realmente la película coge altura interpretativa. Donde eL director, abandona los excesos, para dotar a la película del toque literario del que proviene e incluso, aportándole un ambiente teatral, sobre todo en tres escenas muy claramente identificadas: El reencuentro de los enamorados en la casa de Carraway y las dos escenas casi consecutivas situadas, primero en el almuerzo en casa de los Buchanan y luego en el hotel en Nueva York. En estas escenas es donde se planta la semilla de la tragedia, planteada a base de miradas, frases, gestos que interpretan de manera convincente el texto de la novela, dándole a la película el toque intelectual necesario para hacer de ella una notable versión.
Por otro lado es importante valorar como el director nos traslada las imágenes metafóricas que se suceden a lo largo de la película, como es la situación geográfica de las casas de los protagonistas, enfrentadas y visibles ambas en los extremos de la bahía, donde su protagonista, espera el reencuentro con la amada Daisy. O esa luz verde del faro de los Buchanan que aparece continuamente como la guía de Gatsby en su búsqueda del amor de la que fuera su amada, que desaparece tras la niebla cuando la relación se aleja y se torna imposible.
Di Caprio encarna a un creíble Gatsby, seguro dentro de su burbuja de cristal llena de riquezas y excesos, con su sonrisa perfecta y elegancia en el trato a todos y cada unos de sus invitados. Lleno de luz y esperanza en su interpretación de un hombre que lo ha logrado todo, solo para lograr su único fin, recuperar el amor de su amada, pero con el autoengaño de querer borrar todo lo que él no ha representado en su vida. Y será esto lo que le destruya, el hecho de que no puede recuperar el pasado, como domina el presente. Porque, a fin de cuentas, los sentimientos no se pueden comprar y la realidad de la vida es seguir hacia adelante sin mirar atrás. En definitiva Gatsby quiere seguir hacia adelante pero viviendo en un pasado que no podrá recuperar.
Los otros personajes encarnados por Toby Maguire, Carey Mulligan y Joel Edgerton nos permiten completar el poker de personajes que lidian en la película. Sus papeles dentro de la complejidad que aúnan resultan convincentes en la película, realizando un trabajo de altura, trasladándonos, sobre todo el papel de Daysi Buchanan, a la inconsistencia de una sociedad que se derrumbará en el año 29, llevándose consigo todos los sueños y riquezas de un colectivo que solo ha vivido de sueños, excesos y mentiras.
Como decía, espléndida versión la realizada por Baz Luhrmann, y con unas interpretaciones de gran nivel, que nos trasladan sin tapujos el espíritu de la novela de Scott Fitzgerald. Todo un mundo de colorido, alcohol y lujos, que sin embargo esconde la realidad de una sociedad basada en la apariencia, que no da la importancia debida a los sentimientos de las personas, y que desgraciadamente solo conllevará oportunidades perdidas, llevando inevitablemente a desencadenar la tragedia final.

lunes, 24 de junio de 2013

Raphael Gualazzi - "Happy Mistake"


Hace pocos días reseñé el último trabajo de Jamie Cullum, el polifacético pianista que ha sabido aunar el pop y el jazz consiguiendo acercar esta música al público más joven. Pues bien, resulta que también en Italia, un cantante y pianista, está logrando la misma proeza desde hace pocos años. Bien es verdad que la cultura del jazz en este país ha sido muy cultivada desde los años cuarenta y cincuenta, pero el revulsivo que ha provocado este artista, que ya ganó el festival de San Remo en el año 2011, es algo nuevo y joven y da frescura a un mercado italiano excesivamente anclado en el pasado. Acaba de presentar su último disco en Madrid y ha barrido. Tiene el toque de los clásicos y sabe compaginarlo con la modernidad de los tiempos que vivimos. Espero que os guste, por que tiene mucho estilo.

domingo, 23 de junio de 2013

"El hombre de acero"


Yo no era de los que estaban esperando ansiosamente un nuevo intento de llevar a la pantalla al personaje de Superman. No es precisamente uno de mis súper héroes preferidos. Para más inri, el intento de  Bryan Singer en el año 2006 aún me convenció más de la inconsistencia del personaje. Tanto las versiones de los años setenta como la anteriormente comentada no conseguían elevarlo, cimetográficamente hablando, al limbo de los super héroes de la DC o de Marvel, tal como se está consiguiendo en estos últimos años con productos como Spiderman, Batman, los X-Men y todo el grupo de los Vengadores. 
Para el regreso al cine se ha buscado la alianza de dos de los grandes creadores de cine más innovador actual. Estamos hablando de Christopher Nolan y Zack Snyder. Ambos se han propuesto el renacimiento total de Superman, y creo que en parte lo han conseguido, creando un producto superior a los anteriores. Le han inyectado un sentido diferente, más adulto y por qué no, más humano.  No olvidemos que estamos ante un ser que no ha nacido en la tierra, que posee unos poderes sobre naturales no terrestres, que pertenece a una raza superior y más avanzada tecnológicamente. Estos son los problemas que ha planteado el personaje a los directores que hasta ahora han intentado trasladarlo a la pantalla. Precisamente lo difícil es humanizar al personaje haciéndolo creíble, dentro de lo que se pueda, claro.
¿Y cómo se ha conseguido hacer esto? Sus creadores han querido recalcar el paralelismo entre Krypton, el planeta origen de Supermán y la Tierra. Obviamente son civilizaciones diferentes, pero tienen un par de detalles que las pueden relacionar. Primera que los kryptonianos han destruido su planeta por culpa de la súper explotación de su mineral más deseado. Obviamente aquí observamos un claro mensaje pseudo ecologista muy conocido en nuestra Tierra. Por otro lado, la irrupción de un poder militar que intentará derrocar, pretendiendo abanderar la defensa de la raza de Krypton, en contra de un gobierno de estructura más consensuada, es otra idea que los terrícolas conocemos de primera mano. Con estas dos premisas comienza la película, en una escenografía que me recuerda demasiado a los mundos de “Star War” sobre todo los episodios  I, II y III y con ciertos aires a “Avatar”… Pero como inicio de la película, resulta necesario para esclarecernos los orígenes del protagonista.
Después de este prólogo, la película busca humanizar al personaje, presentándonos a lo largo de varios flashbacks la infancia y la juventud de Superman. Esta es sin duda la parte más acertada de la película. La presencia de Kevin Costner y Diane Lane como los padres terrícolas eleva la película a buenos niveles de interpretación. Ambos actores interpretan de manera más que solvente a unos padres que ante la personalidad y los poderes de su hijo adoptivo, solo intentan educarle como un ser humano más, incluso por encima de su bienestar, intentando que actúe como un buen hijo y una buena persona. Otro pilar de la película, que consigue humanizar al personaje haciendo de él un persona que buscará el bien de los que rodean y en definitiva de la humanidad.
Pero como no podía ser menos los enemigos de Superman le buscan a lo largo de las galaxias y terminan encontrándole en el planeta Tierra. Es aquí donde el personaje toma tintes de mesías. Frente a la disyuntiva de recuperar y ayudar a su raza original a renacer de entre la destrucción o defender a planeta que le adoptó, a pesar de sus debilidades, nuestro protagonista tendrá que tomar decisión que le marcará su devenir en la vida. Definitivamente el director de la película, busca a lo largo del film, acercarnos a un personaje, que sin ser de nuestro planeta,  necesita humanizarlo para hacer que la audiencia empatice con él. Y de alguna manera lo termina logrando.
El problema es que la película resulta en su tramo final muy excesiva en fuegos artificiales, destrucción y escenas hiperrápidas. Lo que hasta casi el final, podría haber resultado bastante adecuado a la película por su equilibrio entre las escenas más cercanas y el enfrentamiento con los agresores de otros mundos, se convierte en su última media hora en una montaña rusa de puñetazos y vuelos imposibles, haciendo que la película se alargue innecesariamente. Una auténtica pena, que un producto que podría ser redondo se estropee por el interés del director de elevarnos y elevarnos en la acción final a niveles tan exagerados, haciendo, en mi caso, que mirara el reloj pensando que esto era demasiado. Otra vez salía del cine pensando que con 20 minutos menos de metraje el resultado hubiera sido más que honroso.
Respecto al elenco, además de los personajes de los padres terrícolas de los que ya he hablado, comentar que el protagonista, encarna al personaje de manera efectiva, transmitiendo la humanidad buscada sin presentarnos a un personaje de perfil infantil y tonto como se había hecho en las anteriores versiones. Además físicamente el protagonista es más que convincente.  Los demás actores están bien en sus papeles, desde Amy Adams, que encarna a la curiosa periodista que enamorará al súper héroe, pasando por Laurence Fishburne, como el director de periódico, hasta el malo malísimo general kryptoniano con aires de grandeza, interpretado por Michael Shannon. Russel Crowe, como padre kryptoniano de nuestro protagonista cumple su función, pero no llegará a representar el icono cimetográfico que supuso el papel de Marlon Brandon en los 70.
Por último indicar que Hans Zimmer ha compuesto una banda sonora potente, que recuerda al estilo de su composición en sus películas de Batmán pero sin llegar a su nivel, en donde busca enfatizar en la figura del protagonista y su afán de superación frente a la destrucción de la tierra y su terrible elección entre su raza y los humanos. Añadir además que los efectos especiales están bastante bien, aunque quizás, al abusar al final de la película de las escenas destructivas terminan por apabullar en exceso, tanto la imagen como el sonido, pero como decía, esto no quita el valor de los efectos, que terminan siendo parte fundamental de la película.

viernes, 21 de junio de 2013

"Habemus Papam"



¿Qué sucedería si tras morir el Papa en Roma y después de celebrarse el cónclave para la elección de su sucesor, al elegido le entra el pánico y decide echar marcha atrás en su decisión de aceptar el Pontificado? Este es el argumento de la película “Habemus Papam” dirigida por Nanni Moretti en el año 2011. Fue presentada en el Festival de Cannes y además ganó tres premios David de Donatello, incluido al de mejor actor.

Desde luego nos encontramos con una película, que aunque está presentada como una comedia, no deja de tener algunos tintes dramáticos de relativa profundidad. Vayamos por partes. Podemos decir que en el film encontramos dos líneas argumentales paralelas. Por un lado la de ámbito más serio, que describe las dudas y las reflexiones del cardenal designado y por otro los quehaceres de los cardenales de la Curia Romana en el Vaticano durante el lapso de tiempo en que el Papa cabila sobre que decisión tomar ante su designación, siendo esta la parte más cómica de la película.

El enlace entre estas líneas lo soporta el portavoz del Vaticano que a sabiendas de las dudas del protagonista, lo oculta a los Cardenales, evitando que estos abandonen el Vaticano, con lo que provoca situaciones francamente cómicas, pero también casi rozando un humor bastante simplón. A todo ello hay que añadir la presencia de un psicoanalista, encarnado por el propio director, que actuará de pieza atea o agnóstica dentro de los muros del Vaticano. Particularmente, aunque ha hecho que sonriera alguna vez, la parte cómica de la película me ha parecido la más floja, dando la impresión de aunar simples sketches graciosos, sin ningún sentido.

De otra manera, si que veo mucho más interesante la parte de la película que aborda las dudas y miedos del cardenal elegido para ser Papa. Es curioso como al principio de la película de una manera más o menos divertida, se cuenta cómo en el cónclave algunos cardenales rezaban para no ser elegidos. A partir de aquí, se plantea la situación de cómo una persona, que dedicada toda la vida al sacerdocio, de repente, debe asumir su condición de ser el representante supremo de Dios en la tierra. Y esto nos lleva, quizás a la crítica no excesivamente hostil, pero crítica sin duda alguna, que el director pretende dirigir con la jerarquía eclesial y la figura del papado.

No puedo dejar de mencionar el estupendo trabajo del protagonista, el actor italiano Michel Piccoli, que encarna  a las mil maravillas al Papa díscolo. Sus miradas llegan a transmitir melancolía y reflejan momentos especialmente entrañables. Por otro lado, el director aprovecha la afición del cardenal elegido al teatro, para hacer un sentido homenaje al autor teatral Chejov.

A pesar de las escenas cómicas que rayan la parodia, y rozan la idea de un sainete o chiste mal traído, la película no deja de ser una reflexión sobre la figura Papal y sus responsabilidades. Al final de la película es difícil encontrar la moraleja y su mensaje se queda en un intento de crear cierto debate entre los espectadores.  Ciertamente, si pretendía ser una crítica a la curia del Vaticano, se queda corta y si, por otro lado pretendía ahondar en las dudas ante la responsabilidad del elegido para ser Papa, no llega a tratar el tema con suficiente consistencia.

jueves, 20 de junio de 2013

Radio Futura - "La canción de Juan Perro"



En 1987 el grupo español “Radio Futura” publicaba su cuarto trabajo de estudio. Este álbum se llamó “La canción de Juan Perro” y para los que en aquel momento estábamos viviendo la adolescencia marcó un antes y un después en el mundo del pop nacional. Cada una de sus canciones se ha convertido en auténticos himnos musicales de una generación, y cortes como “Annabel Lee”, “A cara o cruz” “37 grados” o “La negra flor” con el paso de los años, han entrado al paraíso de las canciones clásicas de referencia en la memoria de los años 80.

Para celebrar el aniversario de los 25 años de aquel estreno, el grupo hace un lanzamiento conmemorativo con la versión original del álbum y material extra, compuesta por distintas grabaciones de maquetas y un concierto en directo celebrado en Alcalá de Henares. Como no me siento capaz de elegir solo alguna canción representativa de este trabajo de “Radio Futura”, os adjunto el disco al completo. Espero que lo disfrutéis como se merece.

miércoles, 19 de junio de 2013

"El show de Truman"


No voy a engañaros. “El show de Truman” es una de mis películas favoritas de la década de los 90. La dirigió en 1998, Peter Weir y la protagonizó, posiblemente en su mejor papel hasta ahora, el histriónico y casi siempre insoportable, Jim Carrey. 

Su argumento es bien conocido por los aficionados al cine. Una productora de televisión adopta a un niño recién nacido y crea a su alrededor un modelo de vida y un entorno completamente artificial, a base de decorados y actores, con el fin de televisar los acontecimientos de su vida, sin que él lo sepa. A lo largo del tiempo este niño se hace adulto y es tal la fama y el éxito del programa de televisión, que se ha convertido en un evento de proporciones incalculables. Pero llega un momento en que la vida de Truman, se vuelve excesivamente rutinaria, le aburre, y la propia curiosidad de individuo le lleva a querer salir de la vida monótona de su entorno, todo lo cual, pone en riesgo la continuidad del programa más visto del planeta. 

Peter Weir, logra con esta película hablarnos de como se puede manipular a las personas, deshumanizando todo su alrededor y convirtiéndolo en un mero producto televisivo, con el único fin de lograr audiencia y muchos ingresos. Se realiza una crítica mordaz a la moda de los programas de “Gran Hermano” tan famosos a finales de los años 90. Para ello y utilizando la tragicomedia, el director nos introduce en la vida del protagonista, cuyos acontecimientos vitales, han formado parte del guión de su vida, manipulándola a lo largo de las 24 horas diarias para conseguir un único fin: audiencia. El día a día de Truman está salpicado de anuncios y publicidad, que van apareciendo a lo largo de sus quehaceres diarios. Sin embargo varios factores cambiarán en su vida. Por un lado su deseo de viajar. Por otro, una serie de accidentes o errores de producción en el programa televisivo, que llevarán a situaciones hilarantes y alertarán al protagonista ante la realidad de su vida. 

El guión es extraordinario, lleno de dobles mensajes, que propone una serie de preguntas sobre la intervención de la televisión en nuestra vida, la manipulación de las personas y el poder del individualismo frente al control externo, en este caso de la productora televisiva. Los actores están muy medidos y controlados. Unos papeles que podrían resultar excesivamente esperpénticos, mantienen el equilibrio gracias a la inestimable labor del director, sin duda, uno de los mejores del momento. Jim Carrey borda su actuación, jugando con un perfil casi infantil, del personaje manipulado y por otro, ese carácter aventurero y rebelde que termina saliendo a relucir a lo largo de la película. Laura Linney y Ed Harris, interpretando a la ficticia esposa y al productor creador del programa, se identifican estupendamente con sus personajes. 

Una película con gran profundidad crítica, cuyo envoltorio resulta una estupenda comedia, pero que en su trasfondo supura drama. Una película que aboga por la independencia del individuo, frente al poder casi intimidatorio de la televisión que nos lleva a actuar como borregos a lo largo de la vida. Un cuento de miedos, héroes, princesas y villanos actualizado al siglo XX, donde la magia es sustituida por la televisión.

martes, 18 de junio de 2013

The Excitements - "The Excitements"


Quién diría, tras escuchar el sonido poderoso de esta banda de rhythm and blues, que nos encontramos ante un grupo surgido en Barcelona en el año 2010. Y efectivamente, desde entonces, estos músicos españoles han sabido llevar por las salas europeas, el más puro y potente ritmo del soul americano.

Se ha calificado su directo de "incendiario y sudoroso", pero lo que es verdad, es que consiguen trasladar a su audiencia el sonido furioso y lleno de los clásicos como Etta James, Ike y Tina Turner y otras estrellas del firmamento del rock and roll, enloqueciendo a todos los que los escuchan. La cantante, Koko-Jean Davis, Mozambiqueña residente en la ciudad Condal, pone la voz y el baile como colofón a una gran banda. Si tenéis oportunidad de ir a un concierto de esta banda española, no lo dudeis ni un minuto.
 

lunes, 17 de junio de 2013

"Jack Reacher"



Un francotirador dispara contra una serie de personas y gracias a la investigación policial es detenido. En un momento dado del interrogatorio, el delincuente dice a la policía un nombre, Jack Reacher, quien resulta ser un lobo solitario, ex policía militar, que se encargará de descubrir la veracidad de los hechos, ayudando en el proceso a la abogada defensora.
 
Este es, más o menos, el argumento de la película protagonizada por Tom Cruise el pasado 2012. Sin entrar a descubrir los entresijos de la trama, conforme va avanzando la el metraje llegamos a la conclusión de que nos encontramos con un producto que tiene el típico perfil de una posible saga, a imagen y semejanza de James Bond, Bourne o Misión Imposible. Un hombre solitario, con preparación especial y amplias dotes detectivescas, busca la verdad contra viento y marea, enfrentado a un grupo de malos malísimos, cuyo objetivo delictivo, tiene que investigar. ¿Os suena no? Efectivamente, el argumento está hiper-manido y resulta bastante previsible.

Pero como hemos visto en otras sagas, si la dirección es buena, juega con un guión solvente y los actores defienden la película en la pantalla, estaríamos ante un interesante producto… Pero resulta que no es el caso. La trama no termina de ser creíble, no parecen justificables los medios para lograr el fin. Las escenas de acción, que son pocas, están bien dirigidas, pero no ofrecen nada nuevo. Incluso una de las peleas de Cruise, recuerda demasiado a uno de los duelos de la película de “El último samurai”, cuando el protagonista pelea contra cinco enemigos que le rodean. Los actores realizan un trabajo mediocre, sobre todo en el papel de la abogada, Rosamund Pike resulta bastante pobre. Solo Robert Duball defiende su trabajo, en un plano secundario y muy residual, casi anecdótico. Las persecuciones de coches, están bien filmadas y los efectos de sonido son francamente buenos, y por lo que he leído las escenas con los coches las rodó personalmente Tom Cruise sin utilización de dobles.

A Jack Reacher le falta originalidad, recuerda demasiado a otras películas y Tom Cruise, aunque pretenda cambiar su perfil interpretativo, no consigue quitarse de encima cierta prepotencia a la hora de interpretar sus personajes. El resultado es una película que en momentos determinados aburre y su final te deja con la simple idea que ya la habías visto antes.

domingo, 16 de junio de 2013

"El Monje y la Pulga y otros relatos" - V Premio Hislibris


Por primera vez y después de participar durante tres años en los foros de la página web Hislibris, dedicada a los libros con referencia histórica, ya sean ensayos o novela, este año me decidí a participar como lector en el certamen de relatos cortos que llevan celebrando desde hace 5 años. No es un concurso al uso, ya que son los lectores de la web los que después de leer los relatos votan sus favoritos. Además tras una última valoración de un tribunal de colaboradores habituales, por mediación de la Editorial Evohé, alma máter de esta web, los ganadores y mejor situados en el concurso son editados y publicados en un tomo de esta editorial. 

La experiencia fue a la vez grata y extenuante, ya que al concurso se presentaron alrededor de 120 relatos y había que leerlos todos. Por otro lado, en el foro de Hislibris, se comentaban cada uno de los relatos por sus lectores y esto me resultó especialmente enriquecedor. Primero porque ves diferentes opiniones y maneras de analizar los textos leídos. Por otro lado, surgen intercambios de ideas al respecto de las bases del concurso y el cumplimiento de estas por los relatos. Particularmente me interesó mucho cómo analizar si un texto es histórico o simplemente pasa por tener cierto carácter costumbrista. Estos intercambios de opinión fueron el jugo del foro, sobre todo al respecto de algunos relatos, incluido uno de los seleccionados en el libro: “La capa atemporal”, sobre el que hubo muchas y diferentes opiniones. Al final el libro se publicó con los 18 relatos que consiguieron las máximas puntuaciones del concurso. 

En mi opinión,  no están todos los relatos que son y no son todos los que están, pero así son los concursos. En la diversidad está la riqueza del libro. Puede que crea que había relatos que merecían haberse incluido en el libro, pero con toda seguridad, los que están, independientemente de que me gusten o no, tienen calidad y por tanto, el libro que los contiene también. 

Las épocas en las que se sitúan los relatos son muy variadas y van desde el tiempo de los pueblos pre-mesopotámicos hasta la guerra civil española. Los hay que tienen un marcado componente dramático y otros más cómicos, como el ganador del concurso, “El monje y la pulga”, que además da nombre al libro. Unos son plenamente realistas y otros han introducido cierto ramalazo fantástico. Incluso hay un relato que tiene un perfil claramente teatral. En definitiva, todos ellos hacen que el conjunto final sea bastante equilibrado y que su lectura resulte entretenida. 

No quisiera dejar pasar la ocasión de apuntar los relatos que más me gustan del libro publicado: 

- “Que se le honre como se merece” de Blas Malo.
- “Adagio en la oscuridad” de Raúl Borrás San León.
- “Nómada” de Joseph Asensi.
- “La siembra” de Antonio Calvillo Berlanga.
- “El anciano general llegó temprano” de Eric D. Haym-Fielitz.
- “Concubina real” de L.G. Morgan.
- “La idea de Ilich” de Luca Moratal Romeo.
- “El camino del samurai” de Joaquín Sanjuán Blanco.
- “Susurros en el bosque” de Javier Veramendi.

jueves, 13 de junio de 2013

Nicole Willis - "Tortured Soul"


Si hay una cantante en la actualidad que entienda e interprete mejor el soul, sin duda tenemos que nombrar a Nicole Willis. Esta neoyorkina afincada en Finlandia es uno de los máximos exponentes del soul actual. En su anterior y primer disco ya apuntaba maneras y después de ochos años de silencio acaba de publicar su segundo álbum, titulado “Tortured Soul”.  


Nicole se acompaña de una banda de músicos llamada “Soul Investigators” cuya sección de viento es una gozada escuchar. De sonido limpio y profundo, cultiva el más puro soul, con gran equilibrio en sus instrumentos. Es un estupendo grupo finés que ensambla perfectamente con la voz de Nicole, presentando canciones con gran fuerza, llenas de alma y mucho, mucho estilo. En definitiva una pequeña joya. 


miércoles, 12 de junio de 2013

Desperta Ferro - "1813: Napoleón contra Europa"


En 1812 Napoleón se había retirado de Rusia en una marcha invernal terrible y casi definitiva para sus ejércitos imperiales. Se presentaba el año 1813 con la obligación de subsistir en Centro Europa   frente al empuje ruso, en previsión de una gran alianza promulgada por sus enemigos para obligarle a volver a tierras francesas.
Este es el tema tratado en el número 4, de la colección de Historia Moderna, de la revista Desperta Ferro del mes de mayo. Titulada “1813: Napoleón contra Europa” nos sitúa, tras la retirada del año anterior, en el momento clave y decisivo de la preponderancia francesa en el continente. En dos espectaculares artículos, se explica los movimientos y batallas celebradas en este año. En el primero,  se dibuja la situación de los ejércitos entre enero y septiembre de este año, durante los cuales los comandantes aliados evitan, primordialmente, el enfrentamiento directo con Napoleón. En el segundo, se narra la decisiva e inevitable batalla de Leipzig o también llamada de las Naciones. Los dos artículos van acompañados de detallados mapas con los movimientos de tropas y las batallas decisivas.
Otros artículos tratan sobre temas importantes en lo referente a la organización de los distintos cuerpos de ejército, como por ejemplo el dedicado a su Mando y Control, o sobre la Caballería de la Grande Armée.
En los artículos restantes se habla de los voluntarios alemanes y su intervención en las campañas de ese año, un artículo muy interesante sobre las vivencias de un profesor alemán de filosofía agregado a las tropas aliadas y por último una pequeña reseña a las celebraciones en Vitoria que se celebrarán en junio de este año con motivo del centenario de la victoria sobre los franceses en esta ciudad.
Como ya es costumbre en esta revista, el número se acompaña de las ilustraciones de algún pintor reconocido. En este caso se trata del norteamericano Keith Rocco. Estupendas representaciones de tropas tanto francesas como aliadas jalonan un número de mayo muy interesante e ilustrativo.

martes, 11 de junio de 2013

"Hitchcock"


Después del estreno en 1959 de “Con la muerte en los talones” Hitchcock se plantea que película va a dirigir después del éxito cosechado. Es verdad que está inmerso en la grabación de la serie de capítulos de suspense para una televisión, pero desea conseguir pronto un guión diferente con el que enfrentarse otra vez a la dirección de una nueva película. Llega a sus manos un libro basado en los asesinatos cometidos por Ed Gein, asesino en serie de la época. A pesar de no conseguir la financiación de la Paramount y de tener que pelear por evitar la censura a la que le quieren someter, se embarcará en la aventura de dirigir la que será una de las películas de terror más influyentes del siglo XX: “Psicosis”.
Con la excusa de este argumento, el director Sacha Gervasi realiza un biopic sobre la personalidad del famoso director y rey del suspense. Pero no se dedica solamente a describirnos las dificultades que se dan durante la dirección de la película, sino que intenta ahondar en su vida privada mediante una radiografía de la relación matrimonial con su esposa. Un matrimonio aparentemente sólido, que nos presenta una relación basada en una colaboración profesional de la que han salido todas y cada una de las famosas películas de Hitchcock, que está a punto de romperse debido a las obsesiones del director con sus rubias actrices y a la dedicación enfermiza a sus películas. Mediante esta historia, se nos presenta a un Hitchcock “voyeur”, carismático pero también exigente y duro en el plató, excéntrico en sus ideas y celoso en su vida privada. Y sin embargo, se consigue humanizar a un personaje que está dentro de la mitología cinematográfica, del que se ha escrito mucho. Vemos a un hombre lleno debilidades, sus problemas de alimentación y peso es una constante en la película, pero que su visión de las historias y del cine termina estando por encima de su vida personal, eso sí, disfrutando del apoyo inestimable de su esposa Alma, sustento de su vida.   
Disfrutamos del trabajo de dos grandes monstruos de la interpretación, como son Anthony Hopkins y Helen Mirren, en los papeles del director y su esposa. Especialmente reseñable el maquillaje del primero, nominado a los Oscar de 2012. Los papeles secundarios resultan bastante equilibrados, sobre todo en el papel de Scarlett Johanson interpretando a Janet Leigh y de James Darcy como Anthony Perkins, y completan una película llena de detalles y referencias a Hitchckoc. Una anécdota es que continuamente aparecen pájaros en la película, que por cierto, será el siguiente título en la filmografía del director.
En definitiva una película que sin profundizar en exceso, nos presenta la vida llena de excentricidades del director, pero consiguiendo, por otro lado, humanizar su imagen, gracias a la dedicación y al papel de su mujer, dentro de la cotidianeidad de su vida privada y también profesional.

lunes, 10 de junio de 2013

Beady eye - "BE"


Tras la salida de Noel Gallagher del grupo “Oasis”, el resto de componentes, incluido su hermano Liam, decidieron seguir formando parte de la banda, refundándola con el nombre de “Beady eye” y estrenando su primer disco, "Diferent Gear, Still Speeding” en 2011. Incluso en la Clausura de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012, tocaron la canción “Wonderland” de Oasis, sin la participación de su creador y ex componente, Noel. 

Hoy, día 10 de junio, “Beady eye” ha lanzado al mercado su nuevo álbum, titulado “BE” que contiene once nuevas canciones. “Liam Gallagher ha asegurado que es un disco para tomar el té con unas galletas y flotar escuchando sus canciones…” Lo que está claro, es que siguen tocando melodías potentes, con mucho guitarreo y acompañamiento de metales de viento, añadiendo un toque de fanfarria en algunas canciones. Su sonido sigue la línea tan british y característica que los hermanos Gallagher iniciaron en “Oasis”. ¿Para que cambiar lo que les ha ido tan bien durante más de 20 años?
 
 
 

domingo, 9 de junio de 2013

"El Dilema"


Michael Mann dirigió “El Dilema” en 1999. Este director, no especialmente prolífico, que suele estrenar película cada 4 o 5 años, está catalogado como uno de los clásicos modernos del mundo cinematográfico. La preparación de sus películas, junto a su manera de dirigirlas, hace que se le considere uno de los más solventes creadores de la actualidad. Películas como “Hunter”, “El último mohicano”, “Heat” o “Colateral” son ejemplos destacados de su buen hacer. 

El argumento de esta película nos sumerge en el mundo de las tabacaleras americanas y la lucha contra el tabaco y su adicción en los Estados Unidos. Un ex directivo y químico de una de las mayores tabacaleras norteamericanas, ha descubierto que la industria del tabaco manipula ciertas sustancias para crear adicción en los fumadores. El productor televisivo del famoso programa “60 minutos” consigue una entrevista en la que acusa de estos hechos a las grandes multinacionales. Las consecuencias, al revelar la verdad a la opinión pública, hace que la situación afecte a la vida de los protagonistas.

Realmente en esta película, se cuentan de manera bastante realista los secretos y manipulaciones de las tabacaleras, el cómo blindan los contratos de su personal con las cláusulas de no rebelación de secretos de la empresa. Habla de la libertad de prensa y de opinión, de la presión que pueden ejercer ciertos lobbies en los medios de comunicación y de la manipulación informativa del quienes ostentan el llamado cuarto poder. 

Un maravilloso y sólido Al Pacino interpreta el papel del productor del programa de televisión. Un personaje que sabe presionar, convencer a las personas para que hablen delante de una cámara sobre cosas que interesan al telespectador. Un productor que siempre cumple su palabra y jamás ha abandonado a sus entrevistados. Un profesional que domina el medio y tiene control total sobre un programa que es el hit de la cadena… Y es aquí cuando se plantea en la película dónde está la frontera entre el periodismo y la ética del profesional, hasta dónde sirve la palabra dada frente al poder del dinero y los fines de las grandes cadenas televisivas. Al Pacino borda el personaje, goza de un guión plenamente sólido, que hace que el actor pueda disfrutar de un papel que plantea en la película temas como la moralidad, la manipulación periodística y las vinculaciones de los lobbies con los grandes medios de comunicación. 

El otro pilar de la película es el personaje del ex empleado de la tabacalera interpretado por Russell Crowe. Posiblemente en su mejor papel, interpreta a un cabeza de familia, que despedido y presionado por la empresa decide contar al mundo la verdad sobre la industria del tabaco. Esto hará tambalear su vida personal y le colocará ante la opinión pública, planteando su vulnerabilidad frente a manipulaciones, juegos de poder y batallas empresariales. Su caracterización e interpretación es la más convincente de su carrera y la verdad es, que resulta realista y llena de matices.

El resultado es una película muy bien realizada, que disfruta de un grandísimo guión y un buen trabajo de los actores. Llamar la atención en los actores secundarios, sobre todo en un espléndido Christopher Plumier, que completa el equipo de trabajo,  junto con Al Pacino,  del programa “60 minutos”. En definitiva estamos ante una película con mensaje, muy bien interpretada y con un montaje soberbio que caracteriza a Michael Mann como uno de los mejores directores del panorama actual.     

viernes, 7 de junio de 2013

"Con faldas y a lo loco"


Billy Wilder dirigió esta película en el año 1959, creando la que es una de las mejores comedias de la historia del cine. Su argumento y las actuaciones de sus protagonistas consiguieron crear una película hilarante, llena de diálogos llenos de chispa, que han quedado para siempre en la memoria de los cinéfilos.
En plena implantación de la Ley Seca, dos músicos del montón que se ven obligados a huir de la ciudad después de ser testigos de un asesinato cometido por la mafia. Deciden disfrazarse de mujeres para conseguir tocar en  una orquesta femenina. Este sencillo y divertido argumento es la excusa perfecta para que el director llene la película de gags y situaciones disparatadas y embarazosas, de las que el público disfruta como cómplice absoluto de la trama.
El elenco resulta perfecto y el trío de protagonistas quedará en la memoria del aficionado, perdurando para la posteridad. Jack Lemmon, Tony Curtis y Marilyn Monroe realizan un trabajo convincente, consiguiendo que cada escena sea mejor  y más divertida que la anterior. El dúo de actores resulta tan bien ensamblado gracias a un guión casi perfecto, que resulta una de las mejores parejas humorísticas del cine de todos los tiempos. Tony Curtis en su papel de libertino y guapo seductor, se equilibra a la perfección con la personalidad graciosa y casi simplona de un Jack Lemmon irrepetible e insuperable. Por supuesto la incorporación de Marilyn Monroe, en su papel de chica bombón, que busca casarse con un millonario, eleva potencialmente el valor de la película, haciendo de ella, una de las mejores comedias realizadas nunca.
No puedo dejar de llamar la atención sobre la excelsa banda sonora. No sólo me refiero a las canciones interpretadas por Marilyn, sino a los cortes musicales de las orquestas de jazz que jalonan todo el metraje de la película. Toma protagonismo la música en esta película ambientada en la época de los grandes grupos de jazz. Un sentido e ineludible homenaje ofrecido por Wilder a las orquestas que llenaban la vida de los clubs y recorrían de costa a costa los Estados Unidos.
Desde luego, una película que se debe ver por lo menos una vez al año.

jueves, 6 de junio de 2013

"Cuentos del Lunes" - Alphonse Daudet



Alphose Daudet es uno de los escritores franceses más importantes del siglo XIX. Conocí su obra cuando leí “Tartarín de Tarascón”, uno de los libros más refrescantes y divertidos de los que he podido disfrutar.  A partir de ese momento me comprometí a leer más trabajos de este autor. Novelas como “Jack”, “El Nabab” o “La Evangelista” no hicieron más que confirmar que Daudet es uno de esos escritores del XIX de lectura obligada. Nos encontramos, por lo general, con obras costumbristas, que cuentan de manera realista el día a día de sus protagonistas.
No hace mucho, mientras merodeaba a la búsqueda de libros con los que aplacar mi ansia  lectora, encontré un ejemplar de la editorial Debate, del año 2002, titulado “Cuentos del lunes”, compilación de cuentos del autor al que nos referimos. Además venía acompañado por ilustraciones, una por cuento, del famoso ilustrador francés Pierre Lissac. Como os podéis imaginar el libro acabó rápidamente en mis manos.
El volumen consta de dos partes: La primera consta de 26 cuentos y es un compendio de relatos inspirados y situados en la guerra Franco-Prusiana de 1870-71, en Argelia y en la Comuna de París. La segunda parte la componen otros 16 cuentos, en este caso, de estilo más costumbrista.
Los relatos referidos a la guerra con Prusia y a la Comuna, están situados sobre todo en París, durante el sitio que ejercieron los prusianos sobre la capital. Nos presentan la vida diaria de los ciudadanos y las tropas, contada siempre con un estilo fresco y espontáneo. El espíritu patriótico de un pueblo llevado a la guerra por las ansias de conquista del emperador Napoleón III, ni siquiera se rinde ante la inminente derrota. Es más, digamos que este patriotismo se transforma, pero no desaparece cuando Francia se rinde a los prusianos y en París se forma la Comuna, que no deja de ser otro tipo de patriotismo sentido por el pueblo más humilde, que sin embargo caerá bajo el fuego de las propias tropas francesas. Daudet nos describe las más dispares situaciones. El sufrimiento de una madre por su hijo destinado en el frente, el valor de los soldados para mantener la bandera del regimiento en pie ante el avance enemigo, los cotilleos en retaguardia sobre el avance de la guerra y la manipulación de las noticias del frente, el dolor de un profesor de Alsacia al que se le prohíbe dar clase en francés y tener que sustituirla por el alemán… Pero siempre y por encima de todo, el patriotismo del pueblo, que más allá de sus gobernantes y generales, se siente francés, ya sea republicano, monárquico o miembro de la Comuna.
En la segunda parte Alphose Daudet nos representa la vida más costumbrista y diaria del ciudadano francés, mediante una serie de cuentos sobre la vida de París y regiones francesas que el autor recorre en durante su vida. Nos encontramos con cuentos fantásticos y divertidísimos ambientados en la Navidad, con relatos que describen la diversidad de la geografía y costumbres de las distintas zonas de Francia, con otros que relatan la vida cotidiana de distintas familias… En definitiva una amalgama de historias cotidianas que nos presenta la sociedad francesa del la segunda mitad del siglo XIX.
El autor consigue que el lector, al finalizar la lectura del libro, tenga una idea más o menos cercana a la realidad de la sociedad francesa en su época, ya sea en el periodo de guerra o de paz. Y para ello ha utilizado un lenguaje claro, fresco y entretenido. Su mensaje siempre está rodeado de un halo de comedia. Desde situaciones en la que describen, por ejemplo, el sufrimiento que pasa el mismo Daudet, durante el estreno de su obra de teatro, hasta el asalto de un coleccionista de libros a la búsqueda del último título de un autor recientemente fallecido, pasando por la descripción de la vida de una perdiz durante la temporada de caza en un coto francés. Todas estas historias están impecablemente descritas, jugando con el drama de la situación y la comedia con la que se humaniza ese determinado momento.
Una delicia de libro, con el que se disfruta extraordinariamente desde el primero al último cuento. Y no olvidar las ilustraciones de Pierre Lissac que acompañan a esta edición. Cada una de ellas representa la esencia de cada texto. En definitiva un libro imprescindible para el aficionado de los relatos cortos.